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Música

2021-11-24 15:31:40
#Música
Belun, Mateo Morandin y Morsa Light se presentan en Club Paraguay
Este Jueves 25 de Noviembre a las 19hs tres bandas amigas se unen para un evento imperdible. Morsa Light, Mateo Morandin y Belún (por primera vez en Córdoba) prometen shows inolvidables celebrando la música, la escena, la ciudad y la amistad. Por su lado, Morsa Light el proyecto artístico encabezado por Agustín Parodi (marplatense radicado en Córdoba desde 2010), se lanza nuevamente a la escena con su tercer y últmo álbum “Ego”,  que ya podés escuchar en todas las plataformas digitales.  Belun, conocido por su anterior proyecto “Un Buscador”, estará presentando su disco “El Fin de la Comedia” por primera vez de su salida y su último sencillo, “Los Fantasmas“,  producido por Guli.  Por su parte, el multifacético Mateo Morandín que se presenta como la promesa del pop cordobés luego del lanzamiento de su primer EP “Querubin”, cuatro canciones de una estética original y fresca, cuya producción estuvo a cargo de Rodrigo Molina (Telescopios). Entradas en: alpogo.com
2021-11-24 15:31:40
2021-11-19 14:06:14
#DavídLebón
David Lebón en Espacio Quality: El exorcismo, las canciones y la historia
Por Joaquín "Colo" Alonso A veces resulta emocionante encontrarte a músicos como David Lebón en un escenario. Enfrentarte a canciones que hoy ya podrían considerarse patrimonio cultural de una nación para desarmarte ante alguien que inventó gran parte de lo que somos como escuchas. Anoche, en el escenario de Espacio Quality, vimos a un hombre quebrado canalizando un dolor indescriptible mediante la pasión y los valores más nobles del rock and roll. Vimos al artista con la sal en la herida, mientras el alma se cura poco a poco con canciones. A esta altura, hay poco que pueda decirse sobre David Lebón sin caer en el cliché que nos desprende la admiración absoluta hacia uno de los guitarristas más sensibles del rock argentino pero, hay que decir, que tiene la virtud de haber sobrevivido al canibalismo incipiente de una industria cruel como pocas para reencarnar tantas veces como fuera necesario sin perder la identidad y eso que en el blues se llama MOJO, que no es otra cosa que la personalidad y el estilo necesarios para subirse a un escenario a desplegar fantasmas discursivos bajo el halo de un mensaje que logre penetrar en el inconsciente popular. David lo mantiene, sostiene y exprime. Creo que parte de su relación con la música es terapéutica y entre el público se advierte un duelo inevitable del cual poco se hablará durante el show, pero estará implícito en cada intervención de David sobre un presente inalienable, el amor como refugio y una gira que resulta en intento de exorcismo ante fantasmas tan profundos. Porque el dolor es el dolor y el arte es catarsis, entrega y corazones abiertos. Hay un segundo círculo que se cierra dentro de este concepto emotivo, que es la relación con una banda consolidada no solo en una potencia y claridad alucinantes, sino también en el carácter fraternal de quienes han tocado juntos por tanto tiempo, sumado a la solidaridad de un líder que abre el escenario a sus músicos y da lugar a protagonismos momentáneos, pero especiales. Es un grupo armado a fuerza de motores compositivos y elevados por el virtuosismo de una formación elegida con recelo, que junta a Leandro Bulacio en teclados, las guitarras de Dhani Ferrón y Tavo Lozano,    y la elegancia de la base rítmica de Roby Seitz en bajo junto al histórico Daniel Colombres en batería. David Lebón merece el reconocimiento que ha logrado en esta última resurrección. Es de esos pocos compositores que pudieron aportar enormemente y mantener un perfil bajo dentro de formaciones con egos monstruosos como Serú Girán, Pescado Rabioso o Pappo´s Blues. Es tremendo poder disfrutar, desde nuestra juventud, a músicos que han hecho tanto y, mientras recuerdo las pantallas que repetían los anuncios de futuros shows de Nicky Nicole y Chano en la previa del recital, pienso que deberíamos reflexionar sobre cuánto de ese lenguaje es posible gracias a quienes pretendemos enterrar mediante nuestras nuevas revoluciones culturales. Tal vez, las antenas deban orientarse también ante estos bastiones y filtrarlos con las nuevas ópticas para asimilar lo que nos suma y descartar lo que nos rompe. A lo mejor, encontremos algo para construir.
2021-11-19 14:06:14
2021-11-09 11:51:13
#Música
Nautilus presenta su nuevo álbum en Studio Theater
La banda cordobesa vuelve a los escenarios con su nuevo álbum “Extravíos o Algunos Intentos de pasar el Invierno”. El show será este viernes en Studio Theater y la apertura estará en manos de Solo Juan con sus melodías indie pop.  Este nuevo repertorio es un recorrido cuasi cinematográfico de su proceso creativo. Es una muestra de la madurez del conjunto que sostiene el riffeo coreable y apunta todas sus herramientas a la generación de un ambiente que tiene un solo objetivo: ser una compañía y un apoyo que nos ayude a pasar una estación tan compleja como lo fueron los inviernos de pandemia y aislamiento.  Nautilus decide guardar su material para que quienes asistan al show en Studio tengan la experiencia combinada del reencuentro presencial y la primera escucha. La escena contará con las propuestas artísticas de Maca Ferreira y Minner. Ambos artistas están a cargo de intervenir la sala y plantear la propuesta visual bajo un mismo concepto: escaparse del mundo por un rato. Por otro lado, el encargado de la técnica de sonido será Manuel Collado, en representación de Fusis Estudio, quien ha trabajado en la grabación y edición del álbum que Nautilus estará presentando.  El show será el viernes 12 de noviembre a las 19:30 en la sala cordobesa Studio Theater. Conseguí las entradas en Alpogo.
2021-11-09 11:51:13
2021-11-03 15:28:10
#Música
Momento Indie festeja su aniversario con Telescopios y Lola Morin
Momento Indie celebra su tercer aniversario junto a Telescopios y Lola Morin el jueves 4 de noviembre, en Club Paraguay (19hs) La organización del evento es llevada a cabo por Momento Indie, un nuevo medio multi-platafórmico donde la principal premisa es compartir y dar visibilidad a la escena artística emergente argentina, con Córdoba como base, y se realiza de manera totalmente autogestiva e independiente, apostando por artistas emergentes de nuestra ciudad. Telescopios es una de las bandas independientes con mayor proyección en Argentina, ya consolidada en la escena cordobesa. Sus shows envueltos de psicodelia, se caracterizan por ser un tanto emotivos como también eufóricos, logrando generar una atmósfera difícil de describir. Así es como junto a un público fiel que corea todas sus canciones terminan de brindar una experiencia realmente única. Su último disco homónimo (“TELESCOPIOS”) logra sintetizar en 11 canciones un sonido tan innovador como autóctono. Lola Morin es una artista emergente cordobesa, que se destaca por combinar una voz poderosa con un sonido pop un tanto oscuro pero sumamente bailable. Su música cuenta con un tinte “telescópico” ya que es producida en colaboración con Rodrigo Molina, integrante de Telescopios, bajo el sello de “Flex Records”. Las entradas para el evento se pueden comprar en: https://alpogo.com/evento/aniversario-momento-indie-5194
2021-11-03 15:28:10
2021-10-28 15:54:20
#Música
Los Buenos Tiempos presenta “Temporada 2” en Studio Theater
Los Buenos Tiempos presentan en vivo su nuevo disco, "Temporada 2", junto a Maizena. Las bandas compartirán el escenario de Studio Theater el próximo 31 de octubre. "Temporada 2" es el segundo álbum de Los Buenos Tiempos, co-producido junto a Rodrigo Molina (Telescopios). El EP que comenzó a gestarse en agosto del 2020 está compuesto por 4 canciones y fue lanzado a través de un videoclip que recorre todos los capítulos de esta nueva temporada. El audiovisual fue realizado en conjunto con Teo Jachuk entre los meses de junio y agosto de este año. "Temporada 2" se encuentra disponible en el canal de YouTube de Los Buenos Tiempos y en el resto de sus plataformas digitales.La banda se formó a principios del 2018. Entonces, el quinteto actual, sólo estaba integrado por Tomi “Buba” Insaurralde (guitarra y voz), Javi Libra (guitarra y voz) y Grego Díaz (teclas y voz), que compartían otra agrupación. Los primeros años fueron exclusivamente de composición y producción del primer material, hasta fines de 2019 cuando comenzó el proceso de grabación. En ese momento se sumaron Augus Roque en bajo y coros, y Antu Sosa en batería, completando la presente formación de la banda. El primer material fue la “Temporada 1”, compuesta por cuatro temas: "Arte Sobre Mí", "Soltar la Mano", "Infinito en Conducción" y "Cíclico". Fue producido en su totalidad por la banda y grabado en Paraíso Music Pro en 2019. Hoy, se encuentran en pleno proceso de presentación de su nuevo disco, "Temporada 2".
2021-10-28 15:54:20
2021-10-27 16:48:09
#CórdobaPrimero
Se vive La Bienal de Música Córdoba
En el marco del festejo de sus 100 años, el Sindicato de Músicos de Córdoba, organiza y desarrolla La Bienal de Música Córdoba con el objetivo de convertirse en una usina de producción y reflexión en el ámbito musical. Por eso en Córdoba Primero Radio hablamos con Nicolás Kuitca, miembro de la comisión directiva del Sindicato de Músicos de Córdoba, para hablar sobre los principales ejes en los que se basan las actividades de la bienal que se llevará a cabo hasta el próximo 24 de noviembre. “Nos pareció que era el formato más adecuado, para encarar esta suerte de festejos. Honra por un lado la tradición bienalista de la provincia y por otro nos permite tener actividades muy diversas sucediendo todo el tiempo, como shows en vivo, charlas, workshops y cursos de posgrados”, señaló. Y agregó: “El sindicato viene trabajando en la recuperación y conquista de los derechos, que fueron sumamente vulnerados durante la pandemia, y por suerte se viene avanzando en negociaciones para dar marcos laborales más dignos”.  Kuitca, explicó que, a su vez la bienal, surge con el propósito de mostrar en qué se viene trabajando e invitar al público que se involucre.  Esta semana el lanzamiento de la Bienal sorprendió a todos aquellos que pasaban en las inmediaciones del Palacio 6 de Julio, cuando el dúo Valdés comenzó su show sobre un “escenario grúa” que se elevaba desde el fondo de La Cañada.  En esta misma línea, el representante del Sindicato de Músicos de Córdoba aclaró que no pueden darse a conocer todavía los dos lugares en los que se realizará el festival de cierre en la vía pública. Además, indicó que el evento se basa sobre 7 ejes principales que se relacionan y se conectan entre sí: Productivo, Educativo, Social, Internacionalización, Género, Tecnológico y Político, destacándose así el carácter interdisciplinario de la bienal.  “El trabajo es sumamente enriquecido cuando se interactúa con disciplina que no se piensan en conjunto, pero conviven y se potencian en proyectos como este”. En una en conversación con Andy Pallero y Jorge Navarro, Nicolás Kuitca, remarcó que desde el sindicato de Músicos Córdoba “se trata de mejorar el ecosistema del desarrollo de las carreras, discutiendo el paradigma del éxito”. Escuchá la nota completa:
2021-10-27 16:48:09
2021-10-24 14:47:16
#CórdobaPrimero
70do Charly
Seguimos de festejo porque un cumpleaños como el Charly se merece más de un día de celebración, y desde Córdoba Primero Radio como no podía ser de otra manera le dedicamos un homenaje especial con lo mejor de su carrera. Acotado, pero preciso y profundo, este especial de Andy Pallero que le rinde tributo a Charly García en su cumpleaños número 70, transita rápidamente por lo más importante de su vida musical en las agrupaciones de las que formó parte para luego centrarse en las canciones más reconocida de su carrera como solista.  “Una Leyenda no sólo de la música y la cultura popular, es una leyenda per se”, lo describió Pallero. En este resumen de la vida musical, se incluyen, además, las anécdotas y experiencias que nos cuentan los músicos y amigos más cercanos, las frases más desopilantes que hacen de Charly una celebridad extraordinaria y excepcional que trasciende los límites exclusivamente de la música. “Es un gran álbum de fotos, o mejor dicho una gran crónica de los últimos 40 años de la historia del país”, destacó.  Escuchá la columna completa:  
2021-10-24 14:47:16
2021-10-22 15:21:42
#CharlyGarcía
Desarma y Sangra: El karma de vivir al sur siendo Charly García
Por Joaquín "El Colo" Alonso Las efemérides redondas son siempre una excusa perfecta para sumergir al intelecto en un ejercicio de reflexión histórica. El disparo de largada que marca el momento ideal para salir a medirnos la cancha con otra aburridísima avalancha de fechas, historias y detalles sobre el homenajeado de turno. Una suerte de carrera en la que gana el que más cerca ha estado de ser parte de su entorno privado, para luego exponerlo como al más crudo de los pecadores y retratarlo en el climax de su perversión, porque eso es lo que vende y lo que ves, según nos quisieron vender varias veces, es lo que hay. El caso es que a veces, cuando esa antena que recibe, traduce y transmite es tan potente como para desarmar a los moralismos más estructurados e inquisidores, descubrimos que la sensibilidad del artista es una fuerza demasiado grande para el ego. La responsabilidad de cargarse 5 generaciones de argentinos en la espalda para contenerlos en esta larguísima tragedia griega no es más que un peso muerto sobre los hombros de un antihéroe tan auténtico, real y exponente de nuestras falencias, al que preferimos exprimir, agotar y crucificar antes de admitir como reflejo de nuestra propia idiosincrasia. En este caso, García merece otras formas. El artista que compromete a su propia integridad física y entrega su vida en pos de un puñado de discos extraordinarios no puede ser otra cosa que un genio. Un animal kafkiano que no deja de mutar y cuestionar, aún cuando no se lo comprenda, porque sabe que le tiempo puede darle la razón. Merece ser valorado como el visionario estético e ideológico que supo transmutar el clima colectivo de un país esquizofrénico en una narrativa filosa, inteligente y peligrosa para el conservadurismo que siempre lo defenestró por pura ignorancia y lo sentó en el tribunal mediático con la sola intención de desestimar lo que nunca entendieron. La libertad. Charly García es, sobre todas las cosas, un símbolo de la cultura popular. Una voz mediante la cual identificarnos cuando las demás gritaron demasiado, se quedaron calladas o las desaparecieron mientras trataban de explicarse. La poesía de las masas que buscaron otros límites mientras los márgenes se achicaban cada vez más en un cuadrado asfixiante. El salto en technicolor cuando los blancos y negros escondían las peores intenciones. Fue Prince y fue Nirvana, fue Marilyn Manson con un salto de nueve pisos que hoy, a lo lejos, representa lo artísticamente revolucionario de una locura intencional y planeada. Fue Bob Dylan y Neil Young mezclado con máquinas de ritmo mientras las juventudes del caos menemista no encontraban su futuro. Es la conexión constante con el signo de los tiempos y ese público ya sin edad, que lo romantiza por lo que fue pero lo entiende por lo que es. Es el himno nacional cantado desde el pecho, cuando a la solemnidad se le arranca de golpe y se la entrega a un pueblo efervescente desde un balcón rosado. García es la política, el arte y la institución que se destruye para seguir construyendo mientras la observamos incendiarse. No es casualidad, entonces, que los 70 de Charly nos impongan la emocionalidad como punto de partida, porque en realidad el artista del que hablamos, este ser volátil y extraordinario que no podría haber existido más que en la Argentina (por lo menos reconozcámonos ese logro), ha basado su obra en la intuición, la curiosidad y la introspección constantes como motivadores artísticos, tomando la decisión de asumir el riesgo y pagar el precio que implica convertir tu propia existencia en un hecho artístico. Lo hicieron Lou Reed, David Bowie, Prince y Charly García. Es necesario este homenaje en vida. Es necesario el reconocimiento público y popular a quien reinventó tantas veces la música argentina y la respetó más que a sí mismo. A este símbolo de masas y norte absoluto. Este antihéroe maldito, que juega con la capacidad de que todo conspire siempre a su favor. El kamikaze que se entrega por completo ante el ardor de lo inexplorado con la sola intención de conocer lo impredecible y entenderlo. El tipo que convirtió al país en su escenario para deschavar la hipocresía cotidiana. El sadomasoquista que prefirió abrir el dolor y revelarlo en sus facetas más extremas y autodestructivas porque para esconderse y caretearla ya estaban los otros. El cancionista urbano con el ego más enorme y frágil de todos. La condensación sónica de las crisis sociales más profundas de una sociedad quebrada. El sol que resulta imposible de tapar por el dedo. Al final, como se preguntaba en la canción, ¿Cuántas veces tendrá que morir para ser siempre él?, ¿Cuántas veces lo tuvimos que matar para entender que era asesinar una parte de nosotros?, ¿Cuánto tiempo le dedicamos a criticar ese espejo?. Seguramente, fueron demasiadas. Salud eterna, gracias por todo y felices 70, hermoso gato de metal. Te vamos a amar siempre.
2021-10-22 15:21:42
2021-10-04 13:13:55
#Música
Santiago Motorizado en Club Paraguay: Las reencarnaciones del cantor electrizado
Por Joaquín “El Colo” Alonso A veces, cuando todo es un nuevo inicio, las efervescencias se materializan bajo el halo de las luces de escena y se maquillan en cámara lenta con el humo de un clima que aliviana, libera y acomoda emociones resguardadas en el fondo de los corazones marchitos por el tiempo, el dolor y los golpes cotidianos. Porque las canciones de Santiago no son otra cosa que un reconocimiento a la poética que encarna la vida diaria de la clase media argentina. Unas vacaciones raras que, al igual que los silencios incómodos, de vez en cuando son necesarias.  Santiago Motorizado ha logrado imponer un estilo, una forma de despojo escénico que sintetiza una carrera ajena a los grandes espamentos de virtuosismo y encalla en la simpleza de la canción como elemento fundamental de un mensaje concreto, directo  y, sobre todo, simbólico para las últimas dos generaciones del indie argentino.  Resulta interesante la simbiosis que mantiene Santiago con El mató a lo largo del tiempo y su necesidad de aventurarse en una incursión solista, pero jamás enfrentar el desapego referencial del que podría considerarse su proyecto principal. Tal vez, estas referencias sean su manera de despersonalizarse y mantener la jerarquía de una identidad grupal por sobre el santuario en el cual ciertos gritos del público se esfuerzan por colocarlo. Es un tipo tranquilo, que acomoda el show a su tiempo como si todo sucediera en una especie de cámara lenta, deteniéndose a escuchar y contestarle a un grupo que parece necesitar la atención del artista, aunque sea por un segundo porque, según dicen, las canciones no son suficientes para asesinar el ego del fandom moderno. Hay cierta informalidad buscada en la forma manejar a la banda (que dicho sea de paso, son los Bestia Bebé), como si el hecho de que los músicos entren y salgan del escenario a su antojo le permitieran cierta espontaneidad. Un nivel de improvisación que responde a su estética y su imaginario para terminar de cerrar lo que, tomando distancia, pareciera un concepto ideado por una cabeza que mantiene claras sus intenciones visuales, su interacción con la mirada del otro y las consecuencias que pudieran desencadenar.  Las tradiciones en este contexto han cambiado, han obtenido nuevos significados que se adaptan a nuevas formas de disfrute y, para quien se ha formado en un consumo cultural signado por los modos de los noventa y primeros dos mil,  resulten quizás un tanto superficiales, pero hay que entender que las reglas se han sumergido en la asepsia propia de una virtualidad impoluta y se han alejado de la rusticidad de la calle. A lo mejor, sea un cambio positivo en el ecosistema de los recitales y un paso más hacia la profesionalización de una escena. La búsqueda será, entonces, que no nos domestiquen.
2021-10-04 13:13:55
2021-09-07 10:35:56
#BarbiRecanati
Barbi Recanati en Club Paraguay: La distorsión de las nuevas revoluciones
Por Joaquín "El Colo" Alonso.Las rebeldías bien entendidas suelen ser esa conjunción coyuntural entre contexto social, formaciones ideológicas, juventudes alborotadas y un compromiso artístico sensible a su entorno político. El sábado, mientras Barbi Recanati tocaba en Club Paraguay, hubo al menos 3 de esas virtudes; que no es poco en épocas de pandemia. En una escena tan desorbitada por la espectacularización permanente y cada vez más presente ante ciertas facilidades técnicas, es difícil volver a encontrar conceptos que no sean una producción audiovisual y conviertan el escenario en una expresión visceral y física de su discurso artístico. Debo decir, que Barbi Recanati ha sabido definirse (y encontrarse) en un sonido personal y una propuesta original que, si bien expone los matices histriónicos, puntillosamente estudiados y asimilados, de influencias claras (Patti Smith, Debbie Harry, Siuxie and the Banshees), los complementa proponiendo una novedad emocionante, una suerte de actualización con anclaje emotivo, una profundiad conceptual que solo sucede cuando el artista establece sus propias reglas estéticas. Ubicación en Tiempo Real es un disco que enmarca, tal vez sin querer, cierta poética urbana y representativa del sector demográfico de una generación a la que el rock venía negando sistemáticamente bajo preceptos absurdos, paradójicos, misóginos y fascistas; lo que despierta, desde mi punto de vista, la efervescencia de un público que se encuentra por primera vez con la adrenalina de ver sobre un escenario (centro de poder político por excelencia) a una figura que lo refleja, grita lo que él no puede gritar y pelea las mismas batallas culturales (ergo, lo representa) bajo el contexto del sonido estridente y la estimulación perceptual de una guitarra distorsionada. Hay un lenguaje en común, un código que, si bien es establecido por el artista, es interpretado y compartido por el público. Una comunión eléctrica. Resulta extraño situar todas estas ideas entre mesas, sillas y gente sentada, sin pogo ni cuerpos amontonados contra una valla, y es cierto que sería interesante ver hasta qué punto esa efervescencia pudiera llegar por fuera de la asepsia de un contexto controlado, demarcado por la realidad de una enfermedad con contagio masivo, pero frente al límite de las posibilidades actuales, se puede decir que hubo un clima, una energía general que responde a la sinceridad de un artista en ascenso al que todavía le queda un techo mientras logra esquivar las imposiciones de un mainstream caníbal que pretende masticarlo todo y exprimir cualquier ápice de originalidad. El modelo Fordiano aplicado a lo abstracto, la muerte del concepto artístico. Barbi Recanati ha logrado encontrar un discurso personal, que le permite definir con claridad el marco sonoro, lírico y musical con el cual expresarlo. La sensación es que, dadas las condiciones, los últimos 16 años de una carrera más que interesante, podrían ser el preludio de algo mucho más grande, que implica la renovación de una escena que pareciera haber sido desplazada, pero siempre sigue cocinándose en el under mientras trata de volver a explotar. Tal vez tengamos que cambiar las formas y encontrar a los enemigos ideológicos y culturales que el rock ha combatido siempre, sobre todo, si eso implica reescribirnos a nosotros mismos.
2021-09-07 10:35:56
2021-06-25 11:01:47
#CypherFresquitaPipol
El domingo estrena el primer Cypher de Fresquita Pipol
Este domingo 27 de junio estrena el primer Cypher de  la productora cultural, Fresquita Pipol, por Youtube y estará disponible en Spotify el 2 de julio. Esta productora propuso a 25 artistas de Córdoba crear de manera colectiva un cypher. ¿Qué es un cypher? Es un encuentro donde se comparten destrezas musicales en ronda. Este desafío consistió en tres equipos que compusieron tres canciones. Esta actividad fue grabada y filmada en 440 Estudio. Cada equipo contaba con tres instrumentistas, tres cantantes y un grupo de producción musical. Este primer Cypher se trata de un estilo Nu Funk y temática de Futuro. El siguiente será de Jazz-Hop y habla sobre ecología. Y el último es R&B/Neo Soul sobre feminismo. Este proyecto contó con proceso de composición de 2 meses. Cada equipo lo hizo a su manera, entre estudios, home-studios y a distancia. Armada la canción, grabaron maquetas en El Jardín Estudio. Los primeros días de mayo fue el rodaje. Se filmó en plano secuencia. mientras se grababa el audio en vivo. De 3 tomas por equipo, se eligió una. Se generó a partir de la unión de musiques, productores y técnica, junto a 440 Estudio, El Jardín Estudio, Valcon y From South se pudo concretar el proyecto. Una alianza distinta se dió con LUPULUS quien sumó a Pizza Fresquita Pipol en su carta veganizada destinando la ganancia de cada compra.
2021-06-25 11:01:47
2021-06-02 16:03:31
#Cultura
Affaire, el nuevo disco de Vita Set
La banda platense formada en el 2015 sacó su segundo álbum, “Affaire”. Este álbum está compuesto por siete canciones que proponen un recorrido intenso y fugaz a través de composiciones heterogéneas que funcionan de manera independiente y conjunta sintetizando una nostalgia futurista. El disco establece una relación directa con su público por las referencias al amor digital y la inestabilidad de los encuentros entre personas. Más allá de la melancolía de las canciones, estas llevan lo dramático hacia otro lugar y proponen una salida reluciente a través del pop. Fue producido por Vita Set y grabado por Diego Acosta. Los músicos se inspiraron en la nueva ola del pop francés y tienen gran interacción de la tecnología en sus composiciones. 
2021-06-02 16:03:31
2021-03-25 14:17:09
#Cultura
Festival Griego Mujeres 2021
​​​​​El evento se realizará el viernes 26 y sábado 27 y se podrá ver en el canal de Youtube de la Subsecretaría de Cultura de la Municipalidad.  Esta edición propone un nuevo formato debido a las restricciones del covid. Participarán de este concierto 10 bandas, más de 70 artistas de la escena local relacionadas a la cumbia, rock, jazz, música popular latinoamericana, canción de autor, rap, folklore y música electrónica. La conducción estará a cargo de Josefina Rodríguez y Liliana Angelini. El line up recupera a las artistas de la edición del año pasado ya que esta fue cancelado por la pandemia. La grilla del viernes está compuesta por Eleva Big Band, Gol, Caporales Urus  Virgen de la Candelaria, Hijas De Piaf  y Fruta Cruda Klan.  Por otro lado, el sábado actuarán Dúo Tren, Muriel Marco Banda, Caporales Urus Virgen de la Candelaria, Cantoras Copleras de Córdoba,  Mumi Tubert y Alta Yara.   
2021-03-25 14:17:09
2021-03-23 13:45:25
#NacidosParaSegundear
Joaquín Alonso: “Busca generar un clima sobre intimidad”
El viernes 19 de marzo, el músico y compositor, Joaquín Alonso estrenó su EP solista: “Temporada de encierros”. El artista conversó en “Nacidos para Segundear”: “Hace alusión a todo lo que fue el año pasado, pero también habla de otros tipos de encierros, metafísicos, psicológicos, emocionales”. Alonso dijo: “Esto surge desde el encierro”. Y agregó: “Había que encontrar una forma de transformar todo esto que me estaba pasando a mí, que nos estaba pasando a todos, en un elemento creativo porque sino era volverse loco”. Por otro lado, el compositor habló sobre la grabación en cuarentena: “Había un margen de planeamiento que era lo que permitía la cuarentena”. Por último, sobre el futuro del proyecto dijo: “Va salir un video, en el que tuvimos la suerte, gracias a la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Córdoba, de filmar en el Teatro Griego”. Lo podes encontrar por todas las plataformas como Joaquín Alonso. Escuchá la entrevista completa acá:
2021-03-23 13:45:25
2021-02-19 14:57:44
#MúsicaParaPandemias
#MusicaParaPandemias – “Goats Head Soup” de The Rolling Stones
La ansiedad, el misterio, el amor, el odio y la temperatura ascendente son la clave más sincera del rock and roll. Valores universales que enriquecen a una cultura tan decadente y comprometida como corrupta y profunda. Digo corrupta porque sus contradicciones la condenan y su ambición la obliga, más seguido de lo que nos gustaría, a erosionarse y degradar su inalienable compromiso político y artístico en pos del reconocimiento social, la difusión masiva o el respaldo económico necesario para continuar ejerciendo. Hoy, hay quienes pretenden que el rock deje de ser un canal expresivo y comunicacional para convertirse en un commoditie accesible, masticado y de fácil digestión. Casi podríamos decir que los idealistas hemos perdido la batalla, ¿pero no se trata esta cultura de seguir peleando aunque nos hayan bombardeado el búnker?, Claro que si. Para 1972 los Stones habían tenido algunos años difíciles entre persecuciones fiscales, requisas policiales y  el escarnio público y mediático que suscitaba ser la banda activa más grande del mundo. Las tensiones personales, cambios de formación e inclusión de nuevos músicos de sesión habían logrado una consolidación artística claramente fundamentada sobre la química compositiva del sello Jagger /Richards  y el envidiable pragmatismo rítmico de Charlie Watts.  Los Beatles se habían separado y esa falsa rivalidad ya no existía entre la gente. El momento era extraño y los 70´ acusaban la seriedad que vendría como consecuencia  de la fiesta psicodélica de los 60´. Los Rolling Stones quebraban para finalizar una era y grababan un disco pivote, con poco hit pero absolutamente sensible a los signos de su tiempo. El resto, sería historia contada. GOATS HEAD SOUP es un disco inestablemente sincero, copado por la necesidad de descomprimir una década de excesos generales y desvaríos egomaníacos típicamente Jaggerianos. Es el cierre de la etapa más prolífica y experimental de una banda averiada por la muerte y elevada por su capacidad de trabajo. Es el cambio de la nebulosa londinense hacia el calor del porro jamaicano que inundaba el Dynamic Sound Studio y enamoraría para siempre de Kingston a Keith Richards. Es la incomprensión de su propia y futura trascendencia. La conversión del músico en deidad. Es una banda de rock alcanzando la gloria eterna y absoluta para sobrevivir a su propia ceniza.
2021-02-19 14:57:44
2021-02-11 13:02:30
#MúsicaParaPandemias
#MusicaParaPandemias - “The Dark Side of the Moon” de The Flaming Lips
Dentro de las distintas definiciones de cultura, política, filosofía, comunicación y, sobre todo, de ARTE, se reconoce siempre el hecho de un dinamismo constante, que implica el envejecimiento de ciertos elementos y su degradación como novedad. Por supuesto, la música no es la excepción y, si bien su belleza se mantiene intacta, el tiempo se encarga de que su impacto coyuntural disminuya con el tiempo (no hace falta explicar que cada obra de arte es hija de su contexto y, por lo tanto, se adapta a sus cánones sociales, políticos y estéticos). Pero, a veces, alguien se acerca y redescubre un concepto conocido, explotado y sobre analizado hasta el hartazgo, solo para definirlo nuevamente, actualizarlo y trasladar su imaginario a un lenguaje contemporáneo sin otro fin que el de proponer una lectura nueva, sin perder de vista su significado elemental. Este acto es una suerte de justicia poética. Un riesgo vanguardista con gesto de sincera ruptura temporal. THE FLAMING LIPS es, desde hace más de veinte años, parte de un establishment alternativo (pero no por eso menos poderoso) que les permite generar situaciones de implicancia experimental y psicodélica para tomar riesgos estéticos que van desde un disco cuádruple cuyos 4 CD´s debían ser escuchados al mismo tiempo, hasta el abordaje conceptual de la distopía japonesa poco clara del enfrentamiento entre Yoshimi y el robot rosado. Tal vez, sean la banda más indefinible y vanguardista que el formato canción nos haya permitido escuchar en los últimos 40 años. En 2009, los flaming lips reclutaron a algunos amigos conocidos (Henry Rollins, Peaches y los stardeath and white dwarfs) para grabar y editar una caótica, original y distorsionada versión de THE DARK SIDE OF THE MOON (si, el de Pink Floyd que estas pensando), que demuestra la capacidad creativa, intelectual, técnica y musical de una banda engañosamente relegada al estatus de banda de culto e injustamente ligada al movimiento "neo psicodélico" de los últimos años. El disco presenta una visión actualizada de una obra tan enorme como su historia, reconvirtiendolo en un álbum novedoso y distinto, que inauguraba la década de los 2010´s mostrando que la ruptura implica un pasado de belleza innegable y reutilizable. Resignificado en su poca obsolesencia, sin presentarse como nuevo ni viejo, porque como dice la frase final recreada por Henry Rollins, no hay un lado oscuro de la luna, en realidad, toda es oscura.
2021-02-11 13:02:30
2021-02-02 14:10:47
#MúsicaParaPandemias
#MusicaParaPandemias - “Kill Gil” de Charly García
Los ídolos son esos profetas que uno elige y adopta como propios. La referencia que uno sostiene como vara máxima ante el mundo, ya sea por mérito artístico, Impacto visual, interpelación emocional o admiración intelectual.  Sostenemos sus banderas con un amor incondicional, ilógico y hasta irracional, porque los ídolos no nos encandilan de manera objetiva. Simplemente nos cautivan, nos envuelven con un enamoramiento arrebatado y, muchas veces, nos definen como consumidores culturales, pero de manera aún más importante y profunda, nos forman como sujetos de acción y nos guían en una primera comprensión del universo social. En algún texto anterior recuerdo haber hablado de los genios, aclarando que no es un término a utilizar con cualquier artista, sino ante ciertos personajes tan definitivos como definitorios. Genios fueron los Beatles, los Stones, Beethoveen, Bach, Bowie, Prince, Lou Reed, Spinetta y, por supuesto, García. No hace falta que les explique quién es CHARLY GARCIA ni el por qué lo incluyo en una lista de discos como esta. Lo realmente importante en esta recomendación es el contexto. 2007 sería el tramo final (aunque no menos intenso) de un período caótico, desordenado y politóxico de un Charly exaltado y, a esta altura, tan impredecible como su música. Ante este panorama nacía el concepto de un disco que jamás se finalizaría y que terminaría perdiéndose en un disco duro arrojado al inodoro durante uno de los tantos arrebatos de egomanía psicótica de García. Se dice que el álbum era una obra maestra y quienes lo escucharon lo describen como una pieza de belleza absoluta que lamentablemente se iría en fade y del cual conocemos tan solo una parte un tanto deslucida pero hermosamente emotiva. KILL GIL apareció en nuestras vidas por primera vez en el 2007, en forma de descarga ilegal por manos de un traidor anónimo (cuyos nombres son muchos y certezas ninguna) que, en un acto de doloroso e incógnito apuñalamiento, filtraría una primera versión del disco que recién encontraría su edición oficial tres años después con algunos cambios y complementos visuales. Lo cierto es que no es lo más conocido ni escuchado del repertorio de Carlos, pero es un disco adherido a su esencia y una imagen impactantemente fuerte de su época, con un concepto tan pensado como elaborado aunque, tal vez, no tan logrado. Es una obra auténtica, prisionera de un artista atormentado por sus propios demonios y torturado por la velocidad de sus ideas. Es la negación y necesidad de cambio funcionando al mismo tiempo. Es el asesinato del gil que todos tenemos adentro.
2021-02-02 14:10:47
2021-01-27 14:57:58
#MúsicaParaPandemias
#MusicaParaPandemias – “Almadura” de ILE
Hay un origen que nos define inexplicablemente a nivel biológico, que nos marca aún sin saberlo desde profundidades genéticas y, por qué no, espirituales. Esa manera de caminar que es imposiblemente similar a la de un bisabuelo desconocido o la forma en que golpeas inconscientemente las yemas de los dedos contra la mesa cada vez que te aburrís, al igual que los tíos abuelos de tu vieja con los que jamás cruzaste una mirada. No descartemos tampoco la influencia cultural y política, que empuja nuestras convicciones desde las entrañas hasta la boca del estómago, para luego vomitar nuestra incomprensión ante lo que consideramos las injusticias del mundo. Personalmente, infiero que algo de eso hay en ILE. ILE, también conocida como "la hermana de René, que cantaba en Calle 13", ha desarrolado una visión centro/latino/americanista de una profundidad conceptual que entremezcla una claridad lírica accesible, con referencias ideológicas y culturales que, de alguna manera, logran interpretar la coyuntura y al mismo tiempo romperla y atravesarla a fuerza de antropología y actualización discursiva. ALMADURA es el resultado de una búsqueda personal que refleja la inquietud del revisionismo histórico que deviene sobre una base cultural arraigada a la denuncia de explotación extranjera desde el mal llamado "descubrimiento" de América y actualizado por la visión feminista como eje transversal. Es la madera de los barcos cargando el oro robado y manchado con sangre. Son los conquistadores europeos secuestrando a las "indias" sin ninguna contemplación. Son los tambores de la influencia inabarcable de Rubén Blades, afinados sobre las venas abiertas de la América Latina de Galeano.
2021-01-27 14:57:58
2021-01-19 16:25:05
#MúsicaParaPandemias
#MusicaParaPandemias - “Horrible” de Suarez
Nos resulta imposible comprender lo que pueda haber después de la muerte y, sin embargo, seguimos buscando tal vez por necesidad psicoanalítica o simple curiosidad antropológica, un indicio del descanso eterno, el paraíso o la nada. Mientras tanto, nuestra vida sigue sucediendo y su único sentido real es el de no ser olvidados y enterrados bajo el silencio de lo que no hicimos. La única muerte de un artista es precisamente esa. El olvido, y no existe peor arma contra un discurso artístico, que el silencio obligado y la censura. ROSARIO BLÉFARI fue una de las voces al frente de una escena nueva y alternativa fuertemente influenciada por los sonidos que llegaron al país durante los primeros años 90, a través de discos de My Bloody Valentine, Jesus and Mary Chain, Pixies y mis queridísimos Pavement. SUAREZ izaba las banderas de las guitarras disonantes, delays interminables y voces llenas de reverb, pero por sobre todas las cosas, defendían su independencia artística como respuesta a una industria musical que se les negaba sistemáticamente. ¿Creías que el indie había nacido con "El Mató"?, pues no, lo importamos con muy buen gusto en plena era menemista. HORRIBLE fue el ejemplo perfecto de que no era necesario el respaldo de un sello discográfico multinacional para componer, editar y promocionar un disco que representara la búsqueda de experimentación ante la estandarización de las estructuras del formato canción. El Shoegaze criollo tomaba forma con una travesía de imaginería pop desencantada y saturada. Horrible es un conjunto de texturas entrelazadas. Un experimento de insanía auditiva y lisergia desestresante. Es el encanto involuntario cuando las flores caen delante de un calideoscopio.
2021-01-19 16:25:05
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