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#MúsicaParaPandemias

2021-01-07 19:29:49
Música
#MusicaParaPandemias - “CORE” de Stone Temple Pilots
Lamento decirte que, si todavía no sucedió, en algún momento vas a colapsar anímica, física y psicológicamente por un rato o unos días, y resulta necesario entender que es completamente normal y no significa que tu vida se vaya a desmoronar ni que te estés volviendo loco. Me animo a avisarte que, incluso, es posible que reacciones de maneras un tanto violentas si se te va de las manos, pero también me toca decirte que sería mucho más sano tener en cuenta que la música también es un vehículo para canalizar toda esa frustración y dirigirla hacia espacios de acción un tanto menos peligrosos. Bienvenidos a la parte oscura del distanciamiento social. Transite con cuidado. STONE TEMPLE PILOTS moldeó una discografía que condensa la violencia psicológica, el abuso de sustancias, el sexo violento, la frivoliodad, el encierro, la depresión y hasta los ataques de ira desesperados desde la lírica pesimista escupida por un Scott Weiland quebrado y agresivo, brillante entre drogas duras y un corazón tan roto como incendiado y sostenido en la gloria de un grunge brotado por un soleado nacimiento californiano, enmascarado por la distorsión de los hermanos DeLeo y la profunda sensibilidad hardrockera de Eric Kretz. Si bien CORE, al ser un disco editado en el 93, parece una alegoría más de la tristeza salida de Seattle, nos enfrenta a temores más profundos, como la intrascendencia, la muerte, el terror a la soledad y la locura inesperada. Es un álbum que refleja la fragilidad de una persona atormentada por sus propios demonios y la incapacidad para enfrentar un mundo en el que es cada vez más difícil sentirse parte de un cambio real. No es más que la sangre caliente hirviendo para no morir de tristeza.
2021-01-07 19:29:49
2020-12-22 13:15:16
Música
#MusicaParaPandemias - “Desintegration” de The Cure
El estructuralismo, en su afán por descubrir la naturaleza temática de los mitos, plantea su reducción a oposiciones binaria del tipo "blanco/negro", "vida/muerte" o, el que nos ocupa en este caso, el clásico "luz/oscuridad". La Pregunta disparada, entonces, nos cuestiona si al hablar de música el concepto de "luminosidad" es realmente tan opuesto y extremista como parece a simple vista o si, a manera de Ying /Yang, no pueda encontrarse cierta oscuridad en lo luminoso y cierta luz en la oscuridad. La new wave y el post punk pueden ser tomados como escenas ejemplificadoras, porque se encargaron de dejar claro que también se puede cantarle al amor desde una nube que pareciera llovernos solo a nosotros. Para 1989 THE CURE ya se había establecido como uno de los últimos bastiones de una extinta vanguardia y sobrevivientes de una agonizante segunda camada de bandas nacidas desde el oscuro underground británico de los últimos 70´s y primeros 80´s,  que cantaban desde un romanticismo camuflado a la apatía, el desgano, la frivolidad del consumo desmedido y la incomprensión ante los traumas e incapacidades sociales. DESINTEGRATION es el punto de quiebre y consagración comercial de la banda, pero al mismo tiempo refleja la intención de regresar a sus raíces e inspirarse en sí mismos como referencia estética principal (hecho comprobable en la escucha de "Three Imaginary Boys" o, inclusive, "Pornography") adaptándose por primera vez, y con éxito, al formato de canción pop de radio y alcanzando la masividad bajo sus propias reglas. Tal vez sea el punto creativo más alto y oscuro de un Robert Smith que inventaba su propio ocaso y se entendía como parte de un signo de los tiempos que había marcado inevitablemente los ochenta. Desintegration fue la luz del sol entrando por la persiana semi abierta e iluminando el costado de dos cuerpos blanquísimos y desnudos que se revuelcan violentamente entre el dibujo de las sombras. Dos almas quebradas descubriendo sus pasiones. Dos cenizas de lo que la indiferencia quemó sin siquiera preguntar.
2020-12-22 13:15:16
2020-12-15 14:55:18
Música
#MusicaParaPandemias - “Check Your Head” de Beastie Boys
La introducción del ruido como material sonoro en un contexto musical ha sido, para mí, el logro definitivo del siglo XX. Sin ese componente no podríamos disfrutar del grito, la distorsión ni el sampleo como recursos compositivos, anulando por completo a gran parte de los géneros más catárticos, revolucionarios y contestatarios de los últimos 50 años. Hay que entender que la música no siempre precisa del conocimiento técnico para lograrse efectiva en su discurso y, a veces, con cierto conocimiento básico en el manejo del espectro ruido, basta para comunicar y transmitir sentimientos, emociones e historias extremadamente complejas. Fines que, a mi entender, son el impulso y motivación esencial de cualquier artista mínimamente interesante. En un principio, los BEASTIE BOYS fueron la caricatura que el hip-hop necesitaba para infiltrarse en el mercado blanco estadounidense, como un nuevo chiste con el cual divertirse ante el conservadurismo pacato impulsado por el Reaganismo de los ´80, pero luego de convertirse en el objetivo de sus propias ironías y habiendo sido traicionados por su productor, el sello discográfico y hasta ellos mismos, volvieron a conectarse para volver a encontrar la fe en un sonido tan personal como original, que les permitiera establecerse ante el éxito bajo sus propios términos. CHECK YOUR HEAD es un punto de quiebre. Una inmersión voluntaria a las raíces musicales de tres cabezas que trabajan en la misma frecuencia, enfocadas en descubrir los sonidos que realmente los unen y amalgamarlos en un contexto de libertad artística absoluta. Es el discurso final de un manifiesto liberador, un grito de guerra frente a quienes nos imponen una fórmula del éxito agotada e inhumana que solo ha servido para el desarrollo de una industria vacía de contenido. Es, hasta ahora, la última gran revolución contra el sistema y su opresión estética. La muerte de los prejuicios enaltecida por el más fino de los grooves y el sincero alarido del punk rock.
2020-12-15 14:55:18
2020-12-08 14:16:36
Música
#MusicaParaPandemias “Harvest” de Neil Young
El vacío es el único estado en el que existe un silencio real. La falta de aire implica la imposibilidad de perturbarlo y, por consiguiente, también reduce a cero las probabilidades de generar un sonido. Imaginate que, de repente, dejen de existir los autos, el ruido de las hojas impulsadas por el viento y la música. Imaginate la desesperación de perder las voces, los pasos, las puteadas y los halagos. Imaginate el hecho de no poder hablar, por la falta de coordinación entre boca y oído. Imaginate el silencio total, en el cual la palabra vacío vuelve otra vez, pero con una fuerza etimológica distinta. Imaginate el miedo de no entender qué está pasando por nunca habértelo planteado como la posibilidad real que, en fin, el vacío y el silencio son. Ahora, pensá en el privilegio que tenemos por el solo hecho de poder escuchar música, crearla y entenderla. Ponete a pensar qué horrible y ambiguo puede ser el vacío. NEIL YOUNG es, injustamente, el artista de culto más prolífico de los últimos 60 años. Es un monstruo compositivo capaz de abarcar el folk, el country, la psicodelia y el hard rock en un mismo disco y hasta, en algunos casos, la misma canción. Es el digno hijo del frío canadiense convertido en el calor del sol californiano e iluminado por las coloreadas geometrías del ácido de san francisco. Fue el trovador de guitara acústica, el hippie de las canciones interminables y el apático protector de las distorsiones del seattle noventoso. Fue la nada en medio de la multitud y, al mismo tiempo, fue el ruido inhundando el silencio. HARVEST fue la revelación de un éxito real para un artista introspectivo que en ese momento exploraba las novedades de la post psicodelia enmarcada en el principio de una década oscurecida por los edificios, la heroína y el incremento exponencial de la violencia callejera estadounidense. Fue el intervalo que demarcaría el final definitivo del sueño americano. La suerte de haberlo visto todo para descubrir que ya no importaba. Fue la melancolía por la muerte de un hijo de dios que jamás resucitaría.
2020-12-08 14:16:36
2020-11-24 14:58:33
Música
#MusicaParaPandemias - “Doolittle” de The Pixies
En tiempos de inmediatez, manipulación mediática y sobreinformación, no hay mejores herramientas políticas que la sátira y la ironía para enfrentarse a esa masa cínica, desclasada y explotadora que, por alguna razón, ha logrado dominar el mundo. Pegarles esa patada en el pecho les demuestra que nunca nos van a poder sacar la alegría, el humor ni la música. Esa, querido lector, es la verdadera libertad. La posibilidad de, aún vencidos, reírnosles en la cara a quienes manejan nuestro futuro y destrozarlos conceptualmente con una sonrisa. El sarcasmo como símbolo de rebelión y el grito como elemento de distracción; ¿Cuánto se tarda en ganar cuando no nos importa que la guerra ya esté perdida?. PIXIES es lo más parecido que vas a encontrar al surrealismo sonoro. Fue la banda que nos mostró otro camino para descubrir si nos abríamos paso a machetazos en la selva del post punk. Lograron inmolarse frente a una carrera tan extraña como su concepción musical e inventaron una estética deforme, lisérgica y profundamente excitante. Hablaron de la muerte, el sexo, el capitalismo (con "Waves Of Mutilation" como ejemplo de abstracción metafórica), la salud mental, la heroína, la Biblia y el machismo exhacerbado como elemento a ser burlado (el hit "Here Comes Your Man"). Todo en un mismo disco y la más fina de las ironías. Surfer Rosa había sido un éxito de culto y la influencia de una generación que más tarde consagraría al grunge como la última gran revolución musical hasta el momento, pero DOOLITTLE sería la síntesis perfecta de una banda tan retorcida como, para el momento de su grabación, tan internamente viva y convencida. Este disco es la biblia de los pixies, la musa inspiradora aprovechada a través de la distorsión y las voces rotas; el más claro ejemplo del caos controlado. Es la sensación de incomodidad cuando no te sentís parte de nada y esa misma nada se vuelve el alivio. Fue el aire llegando a los pulmones inmediatamente después de un ataque de pánico. Un gran NO, frente al establishment del SI. Fueron la respuesta inteligente a la estrella de rock mientras su televisor caía desde el cuarto piso y explotaba enmudeciendo su propio mensaje.
2020-11-24 14:58:33
2020-11-16 15:45:40
Música
#MúsicaParaPandemias - “Wildflowers” de Tom Petty
Hay quienes piensan que la libertad es una búsqueda interminable y un concepto inevitablemente inacabado. Un deseo surgido de la falta como constitutivo del sujeto, imposible de satisfacer y negador de la felicidad plena que, dicho sea de paso, para quienes postulan estos enunciados, no existe. Yo elijo creer en la posibilidad de concreción de las utopías, en la libertad como hecho poético, político y artístico. En realidad no elijo, lo que me resulta imposible es no creer en que los horizontes son alcanzables, aún cuando están en movimiento y relativización constante. El éxito, muchas veces, es poder seguir el camino plantando nuestras banderas y no precisamente alcanzar su final. La felicidad no se determina bajo estándares ajenos, y la libertad, por supuesto, tampoco. TOM PETTY es, en mi opinión, el cancionista popular más infravalorado de la industria musical moderna pero, al mismo tiempo, es también una de las influencias que más ha logrado interpelar en la cultura rock de los últimos 30 años. No existe compositor argentino que no reconozca a Petty entre sus altares. Una estadística incomprobable, pero conveniente en este acto de sofismo y retórica absolutista. Negar el peso histórico de Tom Petty sería un hecho marcado por un desconocimiento brutal y una falta de respeto a la investidura de una figura capaz de ser considerado par por personajes tan relevantes como Bob Dylan, George Harrison o Johnny Cash. WILDFLOWERS sería un punto de quiebre en una carrera ya empatada con la gloria, pero que pondría al artista en un pedestal necesario para reconciliarse consigo mismo, en el que pondría sus propias reglas del juego como primera incursión realmente solista sin la intervención compositiva de los heartbrakers, que hasta el momento habían sido el sostén de una especie de despersonalización artística con la que convivía desde fines de los 70´. Wildflowers es la declaración definitiva de la canción norteamericana. El manifiesto estilístico de lo que debe ser la libertad. Es la canción que suena durante el caos de una pelea de bar. La ruta abierta entre dos montañas mientras un cadillac descapotable se aleja del anacrónico sueño americano por pura convicción.
2020-11-16 15:45:40
2020-11-11 14:06:28
Música
#MúsicaParaPandemia - Automatic For The People – R.E.M.
La melancolía, la impotencia, 4 paredes inamovibles rodeando a la soledad y un techo que parece cada vez más bajo. Uno se siente un rehén de sus propia consciencia, de su imposibilidad de acción y la presión de la maquinaria social que lo impulsa a una falsa sensación de pro actividad. La velocidad de los cerebros, casi siempre termina destrozando al cuerpo. R.E.M siempre fue, a mi gusto, el estandarte por excelencia del rock alternativo. La reinvención constante, el autoboicot y el riesgo calculado los ha impulsado a hacer álbumes cada vez menos predecibles y a desaparecer cuando la dinámica de grupo ya no les permitía descubrir otra faceta. AUTOMATIC FOR THE PEOPLE es un disco casi acústico, detallista y orquestado como una obra completa. Canciones que no pueden existir sin el contexto estético y el concepto de álbum (incluídos el arte de tapa e internos de las ediciones físicas). Automatic for the people es un viaje introspectivo hacia una banda agotada por la fama y exprimida por el mainstream, cansada de los grandes festivales y teatros llenos. El síndrome de burn out catárticamente convertido en canciones. Un himno a la desesperación y la soledad. Un quiebre generacional. Una forma de sacarse la angustia de la boca del estómago, llevarlo a la garganta y finalmente vomitarlo sin culpa.
2020-11-11 14:06:28
2020-11-03 13:48:09
Música
#MusicaParaPandemias - “YIELD” de Pearl Jam
Muy pocas cosas me han hecho llorar tantas veces como la música. Las canciones, los discos, los conciertos y hasta sospecho que algunos acordes en particular, tienen la capacidad de conectar y afectar directamente a centros nerviosos para provocar una reacción anímica variable según el contexto físico, histórico, cultural y emocional del escucha, pero, en mi opinión, esta explicación no puede ser suficiente para definir la interacción de una persona con los sonidos, porque en un mundo de lejanías culturales infinitas no se explica tan fácilmente cómo llega una canción de Radiohead a desatar inquietudes reprimidas por años en la consciencia de un joven esquimal que no habla inglés o cómo un disco de Charly García logra conmover a un ex represor de la última dictadura militar. Tal vez, la música sea el tan ansiado lenguaje universal, o simplemente, un misterio al que no deberíamos estar buscando explicación. Creo que, en este punto de la historia, no debería ser necesario explicar qué tipo de banda es PEARL JAM, aunque la versión corta sería la de un grupo de amigos de Seattle que, después de una serie de truncas formaciones musicales compartidas, se encuentran de manera fortuita con un cantante de San Diego tan perdido y desesperanzado como ellos. Acto seguido, disco debút y el éxito desmedido de la escena alternativa focalizado precisamente en su ciudad. 30 años después, todavía venden discos y salen de gira. YIELD es una elección caprichosa en esta lista, pero a su vez logra definir la carrera de una banda tan apegada a sus raíces como exploradora de sus posibilidades sonoras, y este álbum es el punto de gravedad por excelencia sobre el cual esta dualidad logra equilibrarse. Es un disco de retorno, pero presenta también un alto contenido de curiosidad musical y actualidad contextual (Escuchar "The Color Is Red"). Es un disco profundamente sensible y equilibrado. Son las canciones que pones cuando estas volviendo a casa para reencontrarte con todo lo que creías perdido, pero también es el sonido que encontrás en la rebeldía inteligente y sincera. Es el activismo enfocado en no abandonar la pasión del punk rock, pero avocado a no perder de vista las utopías por el mal genio. Es el fuego de un cuerpo que avanza pero no responde. El alma que empuja más fuerte cuando las causas están perdidas.
2020-11-03 13:48:09
2020-10-27 12:15:28
Música
#MusicaParaPandemias - Tim – The Replacements
El nerviosismo y aceleración de salir a la calle en estado de pandemia plantean un estado de adrenalina constante que, sumado al encierro prolongado, ponen en juego la fragilidad de cualquier estado físico, mental o emocional y, para alterar aún más los sentidos, un disco de power pop-rock alternativo y anfetamínico atravesado por el punk rock tal vez colabore a esa hermosa e interesante efervescencia psicológica en la que nos estamos convirtiendo. THE REPLACEMENTS no es precisamente una banda a la que vayas a llegar fácilmente leyendo una revista ni de esas que vayas a ver reflejadas en documentales sobre la historia de la música (recuerdo solo una mención en 7 Ages Of Rock, en el capítulo que lleva como título "Left of the Dial", una bellísima canción de este disco, y el largometraje sobre la banda llamado Color Me Obsessed), pero responde a esa categoría de maravillas que uno se cruza por casualidad, recomendación o mera actividad arqueológico-melómana. Fueron siempre con la autodestrucción, la búsqueda de la canción honestamente suicida y el auto boicot como estandartes. TIM es un disco anacrónico para esta época y poéticamente arraigado a su coyuntura estética. Es un signo de los tiempos que describe al underground de los 80 que terminaría dejando su vida para sentar las bases que luego permitirían la explosión del rock alternativo a principios de los 90. Un híbrido visceral engendrado en Minneapolis por el enojo del punk de detroit, la efervescencia del pop neoyorkino y el movimiento constante del skate rock californiano. Sos vos recordando a tus amigos encerrándose en una habitación a fumar porro, tocar muy mal un instrumento y dominar el mundo a partir de un sueño que no deberíamos haber perdido nunca. ¿Y qué pasó con toda esa belleza que dejaste pasar?.
2020-10-27 12:15:28
2020-10-20 11:40:45
Música
#MusicaParaPandemias - Blind Melon
Hay días en los que, aún encerrado, nos levantamos un tanto optimistas y enfocados. Días en que estamos dispuestos a enfrentar la realidad como lo que es, una circunstancia efímera y peligrosamente pasajera. Para esos días de gloria narcisista y orgullo omnipotente es preciso potenciarse en canciones especiales, significativas y reflexivas, de tonos mayores e intensidad emotiva que remueva el corazón pero no enfríe la cabeza. En 1992 BLIND MELON engañaba a las radios del mundo con un disco debut que le cantaba con carpa a la tristeza, la crisis existencial y la inseguridad desde la melodía agradable y cuasi infantil de un único hit llamado "No Rain" (Si, el del vídeo de la abejita que viste mil veces) y comenzaba un accidentado camino hacia el árido desierto conceptual de terminar siendo una banda de culto atravesada por la tragedia. BLIND MELON ,disco homónimo nombrado bajo la ley del menor esfuerzo, es un álbum de rock alternativo detallista, atravesado por el clásico sonido americano de una banda blanca que intenta emular el groove del funk negro con relativo éxito, pero que a su vez se sensibiliza con el country de Willie Nelson y combina guitarras medianamente saturadas con la voz arrastrada y arenosa de Shanon Hoon, que más tarde se convertiría en otro de los hermosos perdedores de alma destrozada por la heroína que tanto nos gusta adorar. Blind Melon es un disco agradable y sincero, sin grandes pretensiones líricas ni musicales, pero naturalmente efectivo. Es ese vidrio espejado con el cual escondemos los dolores poniendo nuestra mejor sonrisa. Un irónico cachetazo de melancolía.
2020-10-20 11:40:45
2020-10-15 11:28:06
Música
#MúsicaParaPandemias - "FREE" de Iggy Pop
Según una frase hecha, las personas extrañamos la libertad cuando la perdemos y, por supuesto, el aislamiento moderno no hace otra cosa que acentuar el significado de esta afirmación. ¿Qué es la libertad?, esa utopía intangible de diversos significados e interpretaciones poco claras que es todo,  pero al mismo tiempo no es absolutamente nada. Será que la libertad debe ser inclasificable, porque cuando un concepto se define se convierte en un ente delimitado, y la libertad no puede jamás tener una frontera que la inhiba. La libertad, como dije unas líneas más arriba, es definitivamente todo, y es absolutamente nada. Creo que IGGY POP entiende este problema etimológico y plantea una búsqueda mucho más compleja de la libertad y, en este álbum, expone su propia definición de “libertad artística” como un manifiesto, un ejemplo práctico a través del discurso musical. FREE es la materialización de los caprichos actuales de un Iggy libre de culpas y concesiones, que se divierte y encuentra en el free jazz una conexión más explícita que en sus experimentos anteriores con el género (escuchen el caótico y bellísimo "Kill City", grabado junto a James Williamson). En FREE hay un lenguaje diferente. Es un disco que se va deformando de a poco y volviéndose cada vez más oscuro e introspectivo con el pasar de los sonidos, como si la consciencia se fuera perdiendo de a poco y distintas voces en la cabeza sugirieran la estrofa siguiente. Es un disco inquietante, disperso y esquizofrénico, con un manejo exquisito de los climas y texturas. Es un disco envolvente, tan laxo como el tiempo. Es la libertad del artista que ya lo ha hecho todo y, por eso, se sabe eximido de toda crítica.
2020-10-15 11:28:06
2020-10-06 12:56:23
Música
#MúsicaParaPandemias - "Blackstar" de David Bowie
El miedo a la muerte es el generador de acción más prolífico, es cierto, pero la muerte en sí misma (y me refiero a la muerte como hecho fáctico, pronosticado y asegurado) es la inspiración más fuerte que un proceso artístico pueda manifestar. Una fecha límite impostergable, ineludible y definitiva, que te obliga a aprovechar el tiempo a pesar de la oscuridad y el temor a lo desconocido. Rechazo, desamor y angustia eso quedan de lado para encarar una metáfora esencial, despojada y, por sobre todas las cosas, fatídica. DAVID BOWIE se convirtió en el artista definitivo, el más camaleónico y complejo de los compositores populares contemporáneos. Eligió transformar su muerte en un provecho artístico y exponer el camino transitado desde un disco conceptual, oscuro y profundamente metafísico, lo que supone haber dejado de lado su propio ego y escribir un testamento, un diario íntimo cargado de pensamientos siniestros y miedos inexplicables. La muerte pública. BLACKSTAR saca a Bowie de su pedestal y nos lo impone como ser humano. Traduce el terror al silencio en una serie de canciones de clave pop impresionista, marcadas por referencias directas a su propio universo lírico y escénico. Es David Bowie rindiendo homenaje a David Bowie, dejándose ir por completo y firmando la tregua con un pasado que lo atosigaba. Es su propio funeral compositivo. Un cajón vacío en una ceremonia conducida por el muerto. Ziggy Stardust, el Mayor Tom, el Duque Blanco, Nathan Adler y la araña de vidrio observando su marchitez progresiva y entendiendo a la muerte como ineludible. Es Bowie matando a su último personaje para exponerse totalmente desnudo por primera vez en su carrera.
2020-10-06 12:56:23
2020-09-29 09:39:49
Música
#MusicaParaPandemias - “Daydream Nation” (Sonic Youth)
Por Joaquín "El Colo" Alonso Las grandes revoluciones musicales siempre han mantenido su espíritu marcado por la falta de límites estilísticos claros y la mixtura de elementos previamente existentes en pos de un sonido nuevo, original y, en lo posible, trascendental. La ventaja de esta filosofía de trabajo es la enorme catarsis, dedicación y compromiso que conllevan. La desventaja es que solo los años les dan la razón a los incomprendidos y el reconocimiento casi siempre llega tarde. Desde mi punto de vista, en Argentina SONIC YOUTH siempre ha sido más un referente estético que una influencia musical porque, seamos sinceros, ¿cuánta gente puede emular las distorsiones y disonancias cruzadas de Thurson Moore y Lee Ranaldo?.  Fueron siempre un norte de la cultura alternativa y un estandarte con el ruido como bandera. Sonic Youth es un grupo de perdedores transmutados en genios que logró convertir lo bizarro en original y transformar lo inescuchable en lo más comercial de los 90. Kim Gordon, te debemos todo. DAYDREAM NATION es el encuentro definitivo entre el concepto new wave de los primeros discos de R.E.M y el hardcore esquizofrénico de FUGAZI; Es el bastión de una revolución sónica perdida entre el ruido de una radio en el desierto y reflejada entre las sombras de los edificios neoyorkinos. Es un disco suficientemente inteligente como para plantear una búsqueda sonora diferente y tan estúpidamente kamikaze como para ser un suicidio comercial. Es una flor naciendo debajo del cemento. Una buena intención aplastada por el paso de una civilización que todavía no la entiende y un éxito que les llegaría algunos años más tarde. Daydream Nation fue una puerta que se abría ante el abismo que vendría; Un parlante sonando entre los sordos.
2020-09-29 09:39:49
2020-09-22 11:40:49
Música
#MúsicaParaPandemias - “Siamese Dream” (The Smashing Pumpkins)
Por Joaquín Alonso La belleza, como elemento subjetivo, es y ha sido siempre la utopía del artista. Ese concepto indefinible por su ambigüedad que abre las puertas a la evolución constante de los géneros y cuya principal virtud es potenciar la sinapsis de quienes la buscamos incansablemente solo para traicionarnos y, en una cruel vendetta, jamás dejarnos alcanzar por ese ideal. La belleza, entonces, es la perfección. Pero al mismo tiempo, la perfección también se encuentra envuelta por las dudas de la subjetividad; y esa cualidad, es inevitable. Tal vez, como principio de acción y no como expresión de conformismo, la perfección no exista en el arte, sino más bien en nuestra interpretación del arte. La música, como fenómeno artístico, cumple también con su ambigüedad discursiva y matérica. De ahí, su belleza inalienable. THE SMASHING PUMPKINS es una banda marcada por una dictadura conceptual que ha respondido siempre a las intenciones musicales de la extraña y retorcida percepción de Billy Corgan que, más allá de haber sido la principal causa de ruptura, ha permitido mantener una línea estilística clara y personal. Para 1992 la banda ya estaba quebrada internamente, con un guitarrista sumiso, una bajista negada, un baterista ausente por alcoholismo y sujetos a los caprichos y delirios de grandeza de un cantante conocido por la obstinación y susceptibilidad de un ego gigantezco. Un cocktail perfecto para la resurrección o la muerte definitiva. En SIAMESE DREAM confluyen la sensibilidad de una infancia quebrada, el romanticismo adolescente de quien anhela el éxito bajo sus propios términos vislumbrando un futuro luminoso a pesar de la tristeza pasada y la pasión suicida que impulsa a aguantar los golpes de la melancolía y el desinterés. Es un disco impulsivo y revoltoso. El sonido de la adrenalina fluyendo en las venas mientras el corazón se dilata para soportar la paliza. La vuelta al mundo en 80 segundos haciendo escala en la luna. El latigazo de la indiferencia rompiéndose ante los verdaderos sonidos de la libertad. Escucha el disco completo acá:
2020-09-22 11:40:49
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